Mein lieber Schwan

Eine Ausstellung der ACC Galerie Weimar im Rahmen von "pèlerinages" Kunstfest Weimar

26. 8. bis 24. 11. 2013 | ACC GALERIE WEIMAR
Eingabedatum: 20.09.2013

bilder

Claire Lieberman, Crystal Swan Gun, 2002 (glass), © Ken Kashian

26. 8. BIS 24. 11. 2013
ACC GALERIE WEIMAR

Burgplatz 1+2, 99423 Weimar
Mo – So 12 – 18 Uhr, Fr + Sa 12 – 20 Uhr, Eintritt 3 Euro, 2 Euro erm.

Vernissage am 25. August 2013 um 14 Uhr

Vornehmlich aus der Perspektive der zeitgenössischen Kunst, mit Seitensprüngen und Übertritten in andere Kulturdisziplinen nähert sich die Ausstellung „Mein lieber Schwan“ dem Dichterkomponisten, spannt den Bogen vom „Wagner-Idyll“ über den „Schwanenritter“ Lohengrin zum Motiv des Schwanes in der Kunst, seiner Mythologie und den düsteren Seiten des Lebens wie Verzweiflung, Verbrechen und Tod, die in der Symbolik des weißen und schwarzen Schwanes von jeher in unterschiedlichster Weise ihren Ausdruck fanden.

200. Geburtstag und 130. Todestag, pulsierender Leipziger Marktflecken am Brühl 3, in dessen einstigem Gasthof „Zum roten und weißen Löwen“ Wagner das Licht der Welt erblickt („Richard ist Leipziger“), und das Arbeitszimmer im Palazzo Vendramin-Calergi, wo er im stillen, von der Wollust des Untergangs gezeichneten Venedig „Über das Weibliche im Menschlichen“ sinnierend den Tod findet, bilden den Anfangs- und Endpunkt unserer Kunstreise. Arne Schmitt beobachtet in „Rebuild to Destroy“ den Stadtumbau an der historischen Geburtsstätte, vielen Leipzigern als „Blechbüchse“ bekannt, während Jan-Peter E.R. Sonntag in seiner Foto-Sound-Projektion „LIDO“ mit Anleihen aus der Musikgeschichte, Fotografie und szenischen Malerei arbeitet und aus dem Zusammenspiel von Bild und Sound ein sinnliches Rauschen, ein (an)dauerndes, gedehntes Dazwischen, Töne in einer „toten Zeit” erzeugt.

Peter Kees nimmt diese Stille auf, stellt Volumen und Rausch Wagnerschen Musikerlebens auf Null, ironisiert die Machtposition des Dirigenten, transformiert Musik in die Sprache des bewegten Bildes und entlädt deren emotionale Aufladung, indem er Wagner orchesterlos in freier Natur an ungewöhnlichen Orten vor deren alltäglicher Geräuschkulisse dirigiert. Und als wäre dies des Symbolgehalts nicht genug, werden in „Conducting Richard Wagner“ Ausschnitte der Musikdramen aus der Bewegung heraus mit Grafitstift und Stichel auf blattvergoldetem Glas zeichnerisch taktvoll visualisiert.

Nina Nolte, Mein lieber Schwan, 2012 (110 x 130 cm, Acryl auf Leinwand)

Gleich in zwei Opern Richard Wagners ist das Leitmotiv der Schwan – einer wird verbotenerweise vom Titelhelden im „Parsifal“ erlegt. Im „Lohengrin“ wird der Titelheld gegen Ende des ersten Aktes in einem Nachen von einem Schwan übers Wasser, bzw. auf die Bühne gezogen, die ersten Worte seiner Ankunftsarie sind sprichwörtlich geworden: „Nun sei bedankt, mein lieber Schwan“. Als Ausruf von Bewunderung und Erstaunen hat sich die Kurzfassung – ein wahrhaft geflügeltes Wort – bis heute in unserem alltäglichen Sprachgebrauch erhalten. Nina Noltes intim-humorvolles Porträtgemälde „Mein lieber Schwan“ zeigt Wagners Opernvogel, der dem Komponisten liebevoll an den Hals geht – selbstredend vor ätherischem Lohengrin-Silberblau. Mit seiner „silberblauen“ Musik verzauberte der „Lohengrin“ Generationen. Zur Zeit der Romantik entwickelte sich sogar ein bizarrer „Lohengrin“- Kult, der in den Anlagen von Schloss Neuschwanstein seinen Höhepunkt fand.

Viel bescheidener nimmt sich das Lohengrinhaus der Richard-Wagner-Stätten Graupa aus: Dort entstand mit Janet Grau und sechs Schülerinnen aus Pirna ein weiterer Annäherungsversuch, „Mein lieber Schwan! Ein Wechselspiel mit Richard Wagners Lohengrin“: Wir schauen ihnen in Szenen aus dem Arbeitsprozess zu, wie sie spielerisch ihren eigenen Zugang finden – zur Musik Wagners, zur Oper Lohengrin, zum Thema Oper überhaupt – und natürlich kommt auch hier das Erscheinen des Ritters auf dem Weg nach Brabant, wo er die angeklagte Jungfrau Elsa in einem Gottesgericht verteidigen wird, nicht zu kurz.

Seit jeher ist der Schwan ein mythologisches Tier, in seinem Bild und Begriff schwingen uralte Bedeutungen mit: Er ist ein Symbol des Lichts und des Stolzes, der Reinheit, Vollkommenheit, Heiligkeit, Würde, Reife und Anmut. Das Weiß seines Federkleids steht für das Absolute, für Anfang und Ende und beider Vereinigung; dieses Weiß der Engel und Heiligen, Bräute, Erstkommunionskinder und Klosterkandidatinnen macht ihn zum Symbol für Unschuld und Jungfräulichkeit.

Parastou Forouhar, Swanrider, 2004 (Fotografie, digitaler Druck auf Aludibond, 80X80 cm)

Der Schwan ist aber auch ein Sexualsymbol. Zeus umarmte Leda in Schwanengestalt, weiße Schwäne ziehen den Wagen des Lichtgottes Apoll. Liebesgöttin Aphrodite und Jagdgöttin Artemis finden sich oft in Begleitung von Schwänen, die auch in der germanischen Mythologie eine enge Beziehung zu den Gottheiten pflegen. Die Iranerin Parastou Forouhar macht sich den Inbegriff des „urdeutschen“ Mythos vom Ritter in silberner Rüstung, gezogen von einem Schwan, zueigen. Auf einem Fotoquartett, das ihre Performance „Swanrider“ in Bad Ems auf der Lahn nahe Schloss Balmoral dokumentiert, wo Wagner sich zur Kur aufhielt, ist der Schwan jedoch kein Bühnenrequisit aus einer Lohengrinaufführung, sondern, den Ledamythos konterkarierend, ein profanes Tretboot namens Hugo – und nicht Zeus bedeckt die Frau, sondern ein schwarzer Tschador legt sich über den berittenen Schwan. Getragen von der Künstlerin, weckt er Assoziationen von Tomb Raider bis Fremdsein, Schleier, Islam, Terror, 9/11 und bricht mit der Märchenidylle.

Sam Taylor-Johnson, That White Rush, 2007 (DVD Dauer: 2 Min 1 s) © Sam Taylor-Johnson, Courtesy White Cube

Der Schwan war und ist nicht nur Wappentier zahlloser Fürstenhäuser, sondern zählt noch bis in unsere Tage – und zwar per Gesetz aus dem 12. Jahrhundert – in England zum Besitz des jeweils regierenden Herrschers. Das bekam auch Sam Taylor-Johnson zu spüren: Sie benötigte zur Produktion ihres zeitgenössischen Kunstwerks die Erlaubnis der Queen höchstpersönlich – und eine amtliche Bescheinigung, dass der von ihr verwendete tote Schwan auf natürliche Weise verendet war. In „That White Rush“ verwest er langsam auf einer nackten jungen Frau, die ausgestreckt auf einem Scheunenboden liegt. Kaum merklich wackelt sie bloß mit dem großen Zeh, während der Schwan eine mysteriöse schwarze Körperflüssigkeit verliert: Zwei Filme, der eine vier Minuten, der andere vier Wochen lang, wurden für deren Vereinigung aufwendig, geschickt und nahtlos ineinander kopiert.

Kein anderer Vogel kann so tief ins Dunkel des Wassers tauchen und verkörpert vielleicht auch deshalb das Unheimliche und Dämonische, den Kampf, die Tragik und den Tod. Neben dem weißen Schwan steht immer der schwarze, neben dem Guten das Böse. Dem Totenschiff, das die Seelen in eine andere Welt brachte, wies der Schwan den Weg, in permanentem Kontakt mit dem Reich der finsteren Hel, Herrscherin der unterirdischen Totenwelt.

Der Schwan wird häufig als Metapher des Übergangs zum Tode benutzt. Als „Schwanengesang“ bezeichnet man das letzte Werk eines Musikers oder Dichters, auch die letzte Rede eines Politikers. Dies geht auf einen alten griechischen Mythos zurück, der besagt, dass Schwäne vor ihrem Tode noch einmal mit trauriger, jedoch wunderschöner Stimme ein letztes Lied anstimmen. Gelauscht hat diesem Gesang noch niemand. Tea Mäkipää bringt es zu Gehör – und präsentiert dazu eine Reihe von Zeichnungen sterbender Schwäne: Erdrosselt vom Zivilisationsmüll, gefüttert mit Plastikabfall, auf dem Operationstisch des Veterinärmediziners.

Csilla Klenyánszki, The hand, C-print, mounted on aluminum, 55cm x 40cm, in an edition of 5, 2011

Die Zeichnung als „Verlängerung des Gedankens“ und deren Spiegelung, die Druckgrafik, beschäftigten Joseph Beuys sein Leben lang - wie der Schwan aus dem Grafikzyklus „Schwurhand“ zeigt. Handarbeiten, gewissermaßen, sind auch die auf leichten Flügeln daherkommenden Foto-Inszenierungen von Csilla Klenyánszki.

Lucy Glendinning, Feather Child 1, 2010 (wax, jesmonite and feathers, pheasant and duck feathers, 78cm by 61cm by 32cm)

Nach griechischem Glauben besaß der Schwan aber auch die Fähigkeit wahrzusagen. „Mir schwant etwas“ ist ein Ausdruck, der dem „lieben Schwan“ im Zitatenschatz dann Gesellschaft leistet, wenn unsere Intuition oder Weissagungskraft ins Leben dringt. Vielleicht verkörpert Lucy Glendinnings Skulpturenfolge „Feather Child“ bereits einen hellseherisch-unverstellten Blick in eine Gesellschaft der Zukunft und gibt womöglich eine Antwort auf die Frage, ob wir in einer Welt der Genmanipulation noch in der Lage sein werden, Einspruch gegen die Verwandlung unserer Körper zu erheben. Werden Bedarf und Notwendigkeit oder Technologieglauben und Größenwahn die beherrschenden Mächte sein? Werden wir kollektiv oder individuell handeln? Die Fragilität des gefiederten Kindes erinnert nicht zufällig an die große Erzählung von menschlicher Hybris: das Schicksal des Ikarus in der griechischen Mythologie

Am Firmament wurde der Schwan – symbolischer Ausdruck der Begegnung von Himmelsgott Uranus und Meeresgott Neptun – als Sternbild verewigt und diente fortan den Seefahrern und Astrologen zur Orientierung. Für ein neues innerstädtisches Leitsystem sorgt Anke Heelemann von der Weimarer FOTOTHEK. Aus ihrer Sammlung vergessener anonymer Privatfotografien hat sie die Porträts Staunender, Erstaunter oder Empörter aus ihrem ursprünglichen Motivzusammenhang gelöst, einen „Parcours der Stauner“ daraus gebildet und diesen durch die Innenstadt Weimars gezogen; eine Verlängerung der Ausstellung in den öffentlichen Raum. Jeder Einzelne ist Teil einer Kulisse, ist Stadtgespräch, ist Lockvogel für neue Stauner an den jeweiligen Ausstellungsorten: „Mein lieber Herr Gesangsverein!“

Mit Werken von BECK (DE), Joseph Beuys (DE), Fabio Cifariello Ciardi (IT), Parastou Forouhar (IR), Lucy Glendinning (GB), Janet Grau (US), Anke Heelemann (DE), Norbert Hinterberger (AT), Peter Kees (DE), Deborah Kelly (AU), Csilla Klenyánszki (HU), Yvonne Kuschel (DE), Claire Lieberman (US), Marcos Luytens (US), Rory Macbeth (GB), Tea Mekkipää (FI), Polly Morgan (GB), Nina Nolte (DE), Marcin Ryczek (PL), Arne Schmitt (DE), Anija Seedler (DE), Nedko Solakov (BG), Jan-Peter E.R. Sonntag (DE), Sam Taylor-Johnson (GB), Jim Whiting (GB) u.a.

Mit freundlicher Unterstützung von Sparkassen-Kulturstiftung Hessen-Thüringen, Stadt Weimar, Thüringer Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur, Stadtwerke Weimar, Thüringer Edelmetallkasse GmbH, Förderkreis der ACC Galerie

Ausstellungsdauer: 26. August bis 24. November 2013,

Öffnungszeiten: Mo – So 12 – 18 Uhr, Fr + Sa 12 – 20 Uhr

« Pèlerinages » Kunstfest Weimar
ACC Galerie Weimar, Burgplatz 1+2, 99423 Weimar, T. : 03643-851261
acc-weimar.de
pelerinages.de
Eintritt 3 Euro, 2 Euro erm.


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Anzeige: Pèlerinages. Kunstfest Weimar: "Unstern. Sinistre. Disastro" (24.8.-2.11.2008)


UNSTERN. SINISTRE. DISASTRO. Visionen zeitgenössischer Künstler

Makoto Aida (JP) | Liz Bachhuber (DE) | Roddy Bell (NO) | Patricia Bueno (PE) |Franco Cilia (IT) | Christoph Draeger (CH) & Heidrun Holzfeind (A) | Tom Fecht (DE) | Peter Hutton (US) | Elke Marhöfer (DE) | Jonas Mekas (US) | Tracey Moffatt (AU) | Fayez Nureldine (DZ) | Jörg Ollefs (DE) | Adrian Paci (AL) | Walter Sachs (DE) | Henrik Schrat (DE) |Xu Tan (CN) | Muhammad Zeeshan (PK)

Befinden sich Sterne in ungünstiger Konstellation, steht Schlimmes zu befürchten, so die Lebensregel. «Unstern!» verkündet solches Unheil. Katastrophen-Darstellungen haben stets Konjunktur in den Künsten gehabt, nicht erst seit Wagners «Götterdämmerung». Während Politiker mögliche «Unsterne» gern verschleiern, widmen sich Künstler diesem Thema mit größter Lust. Sie verwandeln die ACC Galerie Weimar in ein labyrinthisches, nahezu auswegloses Sternobyl, einen parcours désastreux durch unwegsames, von ungünstigen Sternen übersätes Kunstgelände. Franz Liszts dreisprachiger Originaltitel eines späten Klavierstücks «Unstern. Sinistre. Disastro.» gibt auch den Titel der Ausstellung, wobei die Farben bevorstehenden Unheils durchs «Finstere» des Französischen und das «Desaströse» des Italienischen noch verstärkt werden. Dass der «Stern» eines Menschen oder einer Gruppe «sinken» kann, lehrt die Erfahrung und bedingt den (Aber-)Glauben an einen «Unstern» wohl seit Menschengedenken. Was die Sterndeuter, Auguren und Warner für die Königshöfe des Mittelalters und der Renaissance waren, leisten heute unsere «Apocalypse Now»-Filme im Kino. Und nichts Aufregenderes im Alltag, als endlich Zeuge eines Unfalls zu werden! Angstlust heißt der Begriff in der Psychologie, der verständlich macht, warum das so ist - Angstlust ist zugleich Angstabwehr. Dem Anderen geschieht das Unglück, ich bleibe heil, bin noch einmal davongekommen.

Die Lust am Katastrophischen, dem Unter - keinem - guten - Stern - Stehen und die Faszination für Verderben, Abgründe und Unglücksfälle gehören zu unserer anthropologischen Mitgift, sind aus unserem psychischen Haushalt nicht wegzudenken. Am «beliebtesten» sind zweifellos die großen sozialen Katastrophen, die Man Made Disasters (9/11, Kriege, Hungersnöte) und die Bilder vom Untergang ganzer Völkerschaften, aber auch spektakuläre Naturkatastrophen - vom Untergang Pompejis über das Erdbeben von Lissabon bis zu den Tsunamis unserer Tage. Wir genießen die Schauder, die sie auslösen. Ob sie «der Menschheit bestes Teil» sind, wie Goethes Faust behauptete, entscheidet sich allerdings erst, wenn solche Schauder unsere Selbstheilungskräfte mobilisieren, zu Vernunft und Umkehr anregen. Katastrophen galten in der Antike als Strafe für die Hybris der Menschen, als Rache der Natur oder zürnender Götter. Ist eine solche Einschätzung aber nicht selbst schon Hybris? Hat «die Welt» denn überhaupt Interesse an uns? Und wie steht es um das Interesse an uns selbst, wie um den «Unstern» von Menschenhand…?

Eine Ausstellung vom «pèlerinages» Kunstfest Weimar in Kooperation mit der ACC Galerie Weimar. Mit freundlicher Unterstützung der Sparkassenstiftung Weimar - Weimarer Land, der Sparkassen-Kulturstiftung Hessen-Thüringen und des Förderkreises der ACC Galerie Weimar. Gefördert durch das Thüringer Kultusministerium und die Stadt Weimar.

Abbildung:
- Tom Fecht, Arena (Portrait Victoria Chaplin einhändig am Hochseil), Paris 1997

24. August bis 2. November 2008
Eröffnung: 23. August 2008, 15:00


ACC Galerie Weimar, Burgplatz 1+2, 99423 Weimar
Tel 03643-851261, Fax 03643-851263, galerie@acc-weimar.de

täglich 12:00 bis 18:00, Fr + Sa bis 20:00
Eintritt 3 EUR | ermäßigt 2 EUR | Tafelpass 1 EUR
Führungen So 15:00 sowie nach Voranmeldung
Anmeldung von Führungen und Gruppen unter 03643-811410



Pèlerinages. Kunstfest Weimar: Le Souvenir (24.8.-28.10.2007)


26. August bis 28. Oktober 2007

Le Souvenir
Kult. Kitsch. Kunst

ACC Galerie Weimar
Burgplatz 1+2, 99423 Weimar
Mo–So 12–18 Uhr, Fr+Sa 12–20 Uhr
Eintritt 3 EUR / ermäßigt 2 EUR
Führungen So 15 Uhr sowie nach Voranmeldung unter 03643-811410

Eröffnung der Ausstellung: 25.8.2007 um 16 Uhr in der ACC Galerie

Pressekonferenz: 24.8.2007 um 11 Uhr im Neuen Museum Weimar

Eine Ausstellung des Kunstfestes Weimar in Zusammenarbeit mit dem Museum für Angewandte Kunst Frankfurt (Main) und der ACC Galerie Weimar
Mit freundlicher Unterstützung der Hessischen Staatskanzlei und der Ambassade de France en Allemagne

Erinnerung in Dingen
Sie sind Prestige- und Kultobjekte, Selbstbespiegelungen, libidinös besetzte Gegenstände. Ob ausgefallen oder alltäglich - zu allen Zeiten drängte es uns, Dinge mit Erinnerungen an Orte, Ereignisse und Menschen aufzuladen, aus ihnen kostbare Andenken zu machen. Eine Erkenntnis, der sich - im Rahmen der "pèlerinages" - die gemeinsame Ausstellung des Museums für Angewandte Kunst Frankfurt und der ACC Galerie Weimar widmet. Konzeptueller Ausgangspunkt ist die viel beachtete Frankfurter Schau "Der Souvenir. Erinnerung in Dingen von der Reliquie zum Andenken" aus dem Jahr 2006. Ein Kuratorenteam von Kunstmuseum und Kunstgalerie spürt nun erneut dem Phänomen der Erinnerungswut und den Erweiterungsmöglichkeiten des Souvenirbegriffs nach. Hunderte von Erinnerungsstücken aus internationalen Sammlungen treten in den Räumen der ACC Galerie in den Dialog mit über zwanzig zeitgenössischen Kunstwerken.

Von der Reliquie zum Andenken
Der zeitliche Rahmen der Ausstellung reicht von der frühen Christenheit bis in die Gegenwart: vom mittelalterlichen Pilgerwesen und Kreuzfahrertum bis zum neuen Ichbezug in Renaissance und Humanismus, von den Bildungsreisen ins barocke Rom über die zärtlich-intimen Erinnerungen des 18. und 19. Jahrhunderts bis zum banalen Reise-Souvenir des modernen „homo mobilis“ und der traumatischen Erinnerung an Holocaust und Deportation. Vom Wallfahrtsandenken über die Locke Albrecht Dürers bis zu den romantischen Angebinden aus Echthaar, vom Mosaik en miniature als Rom-Souvenir des 19. Jahrhunderts bis zur Schneekugel der Gegenwart zieht sich der Spannungsbogen. Ein Ausflug nach Fernost schließlich weist auf die Andenken "Made in China" - im Spiegel von Tradition und Diktatur.

Positionen zeitgenössischer Künstler
Zudem lud die ACC Galerie internationale, vorwiegend junge Künstler ein, eigene Arbeiten zu diesem Themenkreis vorzustellen:
Eine Sammlung von Audiobeschreibungen aus der globalen Museumslandschaft erinnert an berühmte Exponate, während eine Kollektion aus Tonbandsalat ins Gedächtnis ruft, welche Musik zu welcher Zeit an welchem Ort gehört wurde. Fundstücke aus Popkultur und Buddhismus vereinen sich in einem Schrein. Memorabilien der UNO vergegenwärtigen Hoffnungen wie Versagen dieses Weltinstituts. Visuelles Material aus dem World Wide Web dient dazu, fiktive Familiengeschichten zu komponieren. Selbst ein ins kollektive Gedächtnis eingebrannter Satz kann als Souvenir interpretiert werden.

Folgende zeitgenössische Künstler sind an der Ausstellung beteiligt: Constantin Boym (USA), Pina Delvaux (Lux), Ulrika Erdes (S), Corey Escoto (USA), Sibylle Feucht (CH), Martina Florians (NL), Aurélien Froment (F), Jochem Hendricks (D), Ik-Joong Kang (Südkorea), Raffi Kaiser (Israel), Katinka Kaskeline (D), Nina Katchadourian (USA), Burgi Kühnemann (D), Eva Kwiatkowski (D), Martha Laugs (B), Ivan Moudov (Bulgarien), Lisl Ponger (A), Rayah Redlich (Israel), Miriam Visaczki (D), Ulrich Wagner (D), Carola Willbrand (D).

Wie komplex das Phänomen der Erinnerung in Dingen ist, eröffnen die unterschiedlichen Abteilungen der Schau. Grenzziehungen und Kategorisierungen werden erschwert: Was ist Kitsch? Was ist Kunst? Thematisch wie atmosphärisch wird eine Kulturgeschichte der Andenken entfaltet - Schiffbrüche, Erlösung und Schneegestöber unter Palmen inbegriffen.

Als Standardwerk zum Thema "Souvenir" präsentiert sich die reich bebilderte Publikation "Der Souvenir" des Museums für Angewandte Kunst Frankfurt. Die Erinnerung in Dingen wird hier aus historischer und kunsthistorischer Sicht, aus dem Blickwinkel des Neurologen und Psychotherapeuten oder aus der Sicht zeitgenössischer Künstler betrachtet. Das Buch, erschienen beim Wienand Verlag Köln, kostet in der Ausstellung 30 € (Buchhandelspreis 44 EUR).

Im Rahmen der Ausstellung findet in der ACC Galerie ein umfangreiches Rahmenprogramm statt. Informationen unter acc-weimar.de

kunstfest-weimar.de
acc-weimar.de
frankfurt.de

Pressekontakt:
Virginia Tutila
exclusive public relations
Krenkelstraße 22, 01309 Dresden
fon: +49 (0)351 - 313 97 69
fax: +49 (0)351 - 314 08 09
mail: virginia@tutila.de

Bildunterschriften:
Schneekugel ohne Titel:
Pilgerzeichen: Jakobsmuschel mit Stab,
Santiago de Compostela, 1450-1500
© Sammlung H.J.E. van Beuningen, Cothen, NL

Corey Escoto
Sammlung von Memorabilia der UNO
© Corey Escoto


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